Filtro colore parziale Olympus OMD EM1

Con l’aggiornamento al firmware 2.0 dell’ammiraglia Olympus EM1 l’azienda ha inserito alcuni nuovi filtri, uno in particolare potrebbe risultare simpatico in fase di scatto per quanto riguarda la creatività.

Questo filtro si chiama colore parziale e fa ciò che spesso la gente cerca per rendere uno scatto più accattivante e cioè selezionare un unico colore e lasciare il resto della foto in bianco e nero.

Ovviamente questo genere di modifica trova il massimo effetto in condizioni controllate in cui sono presenti colori ben definiti e soprattutto là dove li vogliamo, mi viene in mente un vestito rosso e un bel rossetto su una modella ad esempio.

Di seguito tre scatti per far vedere come di volta in volta siano stati selezionati tre diversi colori, scusate i soggetti ma è solo un esempio pratico di come lavora la macchina con questo filtro che comunque ci fa scegliere anche diverse gradazioni del singolo colore per risultare il più preciso possibile.

 

 

 

 

 

 

 

Immagini Olympus Stylus 1 + Half Case

Posto alcune foto della piccola compatta evoluta Olympus Stylus 1 che personalmente apprezzo molto per le uscite in cui leggerezza e ingombri ridotti sono indispensabili senza sacrificare troppo la qualità.

La custodia è in pelle nera con cuciture bianche, presa su Ebay dalla Korea per 20 euro e fa egregiamente il suo dovere proteggendo la macchina e permettendo una presa migliore grazie a quel po’ di spessore in più che dona alla macchina.

 

Le Vie delle Foto, mostra fotografica a Trieste

Alle volte le cose capitano così, quasi per caso, un treno che passa e che provi a prendere senza sapere se ci riuscirai e se ti porterà da qualche parte.

Accade quindi che la tua compagna ti giri un link per una manifestazione che si terrà a tre settimane di distanza nella tua città e decidi di mandare delle foto appartenenti a un vecchio progetto mai sbocciato, più per provare che altro, a cuor leggero si potrebbe dire. E ti dicono ok, ti inseriscono nell’evento che è diffuso sul territorio cittadino ed è composto da tante piccole esposizioni personali ospitate in vari locali che aderiscono all’iniziativa.

In tre settimane prepari le stampe, cerchi di ottimizzare gli spazi esigui a disposizione usando dei pannelli per dare vita a quel progetto espositivo che ti ronzava nella mente fin da quando avevi scattato quelle foto.

Anche questo è Le Vie delle Foto, una manifestazione ideata e promossa da una vulcanica ragazza di nome Linda Simeone che ha pensato di creare un evento che si ripete da un paio di anni e che mette in contatto varie realtà imprenditoriali locali con fotografi che hanno voglia e materiale da esporre. L’idea mi è piaciuta subito perché rende il tutto di largo respiro, non pone vincoli sul tema lasciando libero il fotografo di presentare il proprio progetto in autonomia e gli da nel contempo il supporto che spesso manca per poter esporre le proprie opere.

Il tema da me scelto è quello della perdita del tessuto industriale cittadino attraverso un reportage fotografico eseguito all’interno di fabbriche che hanno cessato la loro attività in vari periodi di tempo.

Il progetto era nato anni fa quando, trovandomi all’interno di uffici deserti ancora parzialmente arredati, venni sopraffatto dal silenzio del luogo che faceva a pugni con il rumore e la vita che fino a poco tempo prima li animava.

Fu in quel momento che decisi di creare un percorso per accompagnare le persone attraverso quel silenzio usando le foto, per far percepire  quella desolazione, quella perdita di vita.

Quando una fabbrica chiude se ne vanno posti di lavoro, si creano drammi personali, famiglie rischiano di perdere le case perché non hanno più reddito e si crea un effetto domino che però il resto del mondo non percepisce. Il tutto si riduce a freddi numeri all’interno di un articolo di giornale, statistiche asettiche che non creano il solco nei cuori e nelle menti di chi legge.

Le foto hanno il potere di raccontare un avvenimento meglio di mille parole a mio avviso e di lasciare chi le guarda a riflettere su una realtà che non avrebbe mai potuto osservare altrimenti.

Reportage di questo tipo fanno capire a chi fotografa l’importanza delle immagini nella narrazione della cronaca, immagini che spesso mancano invece.

Non vi sono velleità artistiche mirabolanti, certo ci sono delle scelte fatte in fase di scatto come ad esempio l’uso del bianco e nero o del colore ma sono scelte fatte al volo, seguendo l’istinto, perché una fabbrica chiusa vive una seconda esistenza fatta di tossici che vanno a drogarsi, di ladri che vanno a rubare il possibile e di senza tetto che in quei luoghi trovano rifugio. Ecco allora che si deve fare veloci, ma in punta di piedi, camminare senza fermarsi se non per fare la foto tendendo l’orecchio nel silenzio che ti circonda, in cerca di eventuali pericoli.

Bisogna essere asettici, non toccare nulla ne lasciare traccia del proprio passaggio, quasi dei fantasmi in luoghi in cui i fantasmi sembrano aleggiare veramente.

Grazie a questa manifestazione avrò modo di esporre una parte degli scatti fatti, sperando che quelli scelti colgano nel segno e facciano riflettere un po’ su cosa vuole dire la parola fallimento affissa fuori da una fabbrica, su cosa rimane nella realtà quando si perde un posto di lavoro.

A me basta questo e sono grato all’organizzatrice per avermi scelto e per avermi assegnato un locale situato a fianco alla piazza principale della mia città dandomi così modo di far vedere a tante persone le foto che esporrò.

Per chi avesse modo e piacere il tutto si svolgerà a Trieste presso La Caffetteria del Borgo che si trova in Via Malcanton 6 dal 1° al 31 Ottobre 2014 e per l’inaugurazione che si terrà il giorno 1 Ottobre alle ore 18:30 ci sarà una breve presentazione dell’evento seguito da un rinfresco.

Il link dell’evento: https://www.facebook.com/events/1562728013955024/

 

 

New firmware 2.0 Olympus EM1

Da oggi è disponibile l’aggiornamento firmware 2.0 per l’ammiraglia Olympus EM1.

I miglioramenti sono molti e sono stati aggiunti anche due nuovi filtri artistici interessanti, uno che riproduce le pellicole vintage e l’altro che permette di selezionare un colore e lasciare il resto in bianco e nero per foto particolari senza dover passare per il pc.

Io ho aggiornato questa mattina e sto testando i cambiamenti, come sempre preferisco il menù in lingua inglese perché le informazioni sono migliori rispetto alla traduzione italiana. Oltre a ciò è stato anche velocizzato il mirino elettronico usando la modalità HIGHT ed è stata introdotta una funzione per la correzione delle distorsioni ottiche molto utile per foto architettoniche con grandangolari. Per gli amanti delle foto in studio ora è possibile comandare la macchina in remoto dal proprio pc tramite cavo USB, una funzione che verrà apprezzata dai ritrattisti che lavorano in studio con modelle ma anche a chi vuole fare foto astronomiche con la comodità del computer quale mezzo di visualizzazione.

Una cosa importante è che la macchina viene resettata e si perdono le impostazioni personali, tenetelo a mente se le usate, probabilmente il tutto è dovuto a una riscrittura dell’intero firmware e non solo a un upgrade dello stesso. A me la cosa non crea problemi, anzi, così si ha la possibilità di dare un’occhiata alle nuove voci spendendo quei dieci minuti per reimpostare pulsanti rapidi e ghiere a proprio piacimento.

Come di consueto si raccomanda batteria carica, calma e nessuna fretta, leggere attentamente le schermate di dialogo che appaiono al pc e non premere AVANTI in modo compulsivo se non si vuole rendere inservibile la fotocamera.

Buon aggiornamento a tutti.

Cultura fotografica : Stanley Forman, 1975-76

Forman è stato il primo fotografo ad aggiudicarsi il Pulitzer per due anni di fila con due scatti che fecero molto scalpore e molto discutere in America.

I reporter come molti sapranno si sintonizzano sulle frequenze della polizia per poter arrivare sul luogo degli incidenti in tempo utile per fare qualche scatto e Foreman nel 1975 ascoltando la radio venne a sapere di un grosso incendio con persone intrappolate dalle fiamme. Ovviamente il reporter corse sul luogo e mentre si trovava la assistette ad una scena drammatica che riuscì a  documentare con la sua fotocamera, scena che ritraeva una madre con la sua bimba intrappolate sulla scala anti incendio pericolante mentre un pompiere cercava di raggiungerle. Accadde tutto in un attimo, all’improvviso la scala cedette e la donna assieme alla bambina precipitarono mentre Foreman scattava a raffica senza avere il coraggio di guardare attraverso il mirino l’attimo dell’impatto.

La donna morì sul colpo, la bambina invece le cadde addosso uscendone con qualche livido ma senza gravi danni.

La foto scattata era drammatica e molto forte e scosse la popolazione che gridò allo sciacallaggio mediatico mentre i giornali la difesero sostenendo il dovere di cronaca sia nel bene che nel male.

 

 

Nel 1976 Foreman ebbe invece l’intuito di dirigersi verso una manifestazione studentesca contro l’integrazione, tema caldissimo che dimostrava il profondo razzismo esistente in America.

Gli studenti che marciavano contro il trasporto pubblico degli scolari (di colore) all’improvviso presero di mira un uomo che passava da quelle parti, lo aggredirono picchiandolo e di colpo apparve sulla scena uno studente che brandendo un’asta con tanto di bandiera americana usò la stessa per colpire il poveretto.

 

 

 

Questa immagine è molto eloquente e carica di significati, simbolo di un’America che vive di sogni e falsi miti sotto una libertà e unità garantite dalla stessa bandiera usata per picchiare un americano solo perché di colore.

Forman con questi due scatti fu il primo ad aggiudicarsi il premio Pulitzer per due volte consecutive.

 

 

 

Test ISO Olympus Stylus 1

Ha senso fare un test della tenuta alle varie sensibilità per una compatta seppur evoluta? Ovviamente no ma in tanti mi hanno chiesto di farne uno al volo almeno per farsi una idea di come si comporta la macchina e così ho fatto giusto una serie di scatti al volo.
Le foto sono fatte su treppiede, illuminazione naturale e scarsa, giornata nuvolosa e luce che entra dalla finestra, programma A con diaframma a 2.8, colore naturale, controllo del rumore impostato su standard, jpg così come lo butta fuori mamma Olympus con relativi crop. Ho impostato così la macchina perchè rappresenta il 99% dell'utilizzo che ne può fare l'utente medio, poi se si ha voglia e tempo si scatta ovviamente in RAW e si recupera ancora qualcosa in termini di pulizia.
Per i miei gusti (ormai mi sono abituato bene...) la trovo usabile fino a 800 iso in stampa, poi degradano i dettagli anche se le foto potrebbero essere accettabili per il web e i social network.

 ISO 100

ISO 200 

ISO 400 

ISO 800

ISO 1600

ISO 3200

ISO 6400

ISO 12800

Ho scelto di scattare a 2.8 perchè la macchina usa questa apertura quando c'è poca luce per garantire la massima luminosità al sensore. Per me la Olympus Stylus 1 si comporta in modo onesto, ha un sensore che sta sotto al pollice come grandezza e una escursione focale importante e si deve tenerne conto quando si da un giudizio complessivo. Sicuramente i fanatici della pulizia non saranno soddisfatti ma almeno per quel che mi riguarda la trovo impareggiabile nell'uso comune e non sono mai dovuto andare oltre i 400 iso di sensibilità.
A breve proporrò anche altri scatti con i filtri artistici e qualche guida al settaggio per tirare fuori il meglio da questa macchina che ha tanto da dire.

Olympus Stylus 1 recensione: parte 2

Tempo fa avevo fatto una prima rapida recensione della Stylus 1 e oggi a distanza di parecchio tempo rieccomi a parlarne assieme a qualche foto di esempio.
La macchina a mio avviso va molto bene, di giorno è un piacere averla dietro essendo molto leggera e per foto "turistiche" va più che bene.
Un fattore che in diversi mi hanno chiesto di raccontare è lo zoom, vera peculiarità di questa macchina che presenta un 28-300mm f2.8 costante, un vero lusso.
Iniziamo con le foto che parlano da sole, la prima è fatta a 300 mm, interno di un locale alle prime ore dell'alba:

con la seconda è uno scatto per evidenziare la capacità a 2.8 di separare i vari piani dell'inquadratura

ora uno scatto a 28mm

e la sua controparte a 300mm

 sempre 28mm

e 300mm

 

28mm

300mm

crop dello scatto a 300mm

per ultima un'interno di una chiesa

La macchina in questione è molto valida e prestante, non eguaglia le macchine micro4\3 come qualità ma si difende bene dalle dirette concorrenti. Certo, la Sony con la sua compatta di lusso con sensore da 1" va meglio ma con uno zoom infimo, la Ricoh GR è fenomenale con il suo apsc ma ha una lente fissa così come i vari foveon di Sigma.
La Stylus offre un buon pacchetto complessivo, onesto su tutti i fronti senza magari eccellere in nessuno ma neanche sfigurando.
Un appunto va fatto, per fare spazio al piccolo flash hanno tolto l'accessory port che a me risulta utile per l'uso dei faretti dedicati alle foto macro...

Cultura fotografica : Kevin Carter, 1993

Raramente ad una foto viene dato un titolo, questa è una di quelle rare eccezioni ed il titolo era : l’avvoltoio e la bambina.

Forse già il nome ha fatto scattare qualche ricordo nelle persone, è una immagine famosa e molto dibattuta sia all’epoca in cui venne scattata che in seguito.

Il fotografo si chiamava Kevin Carter, un giovane trentenne che forse vide e fotografò più di quanto il suo cuore poteva sopportare. Era il 1993 e Carter si trovava in Africa per seguire gli scontri nel Sudan e le carestie che in quel periodo stavano letteralmente uccidendo di fame la popolazione già stremata dalla guerra civile. Carter conosceva i componenti del Bang Bang Club e con loro aveva condiviso diversi reportage ma lo scatto che gli valse il Pulitzer lo fece da solo quando, durante uno dei suoi viaggi all’interno del paese, si trovò davanti una bambina ridotta a carne ed ossa accovacciata a terra con alle spalle un avvoltoio che in silenzio attendeva il momento del pasto.

Carter dopo lo scatto allontanò l’avvoltoio ma rimase profondamente turbato dalla scena appena congelata, una scena che fece il giro del mondo, che scaldò molti cuori e fece versare molte lacrime di compassione ma che gli portò anche problemi e invidie da parte dei colleghi che lo accusavano di essere insensibile e alcune volte anche d’aver costruito ad arte la foto.

Un anno dopo Carter si suicidò con il monossido di carbonio lasciando una breve lettera in cui diceva di essere perseguitato dai ricordi di ciò che aveva visto.

 

Personalmente ritengo che la storia di Carter sia un esempio eloquente di come il lavoro del fotografo può intaccare profondamente l’anima. Andare a fare reportage vuole dire anche rimanere estranei agli avvenimenti, lasciare che seguano il loro corso cercando solo di coglierne l’essenza per riportarla al resto del mondo. Deve essere dura vedere persone, bambini che muoiono di fame, fotografarli e poi la sera andare a cena in hotel, se si chiude lo stomaco a me ora guardando questa foto non riesco a immaginare ciò che poteva provare lui ogni volta che chiudeva gli occhi.

Sicuramente il suo suicidio è stato il risultato finale di tanti fattori ma sono certo che i viaggi in Africa hanno contribuito non poco a far crollare una persona evidentemente troppo sensibile per quel tipo di lavoro.

 

Cultura fotografica : Greg Marinovich, 1990

La fotografia rappresenta un veicolo molto importante per documentare gli avvenimenti, è diretto, è immediato e colpisce corde che gli articoli di giornale difficilmente possono anche solo toccare e alle volte per farci sobbalzare deve essere anche dura e cruenta.

Purtroppo nel mondo ci sono conflitti che passano in secondo piano, di cui si sa poco niente e che non suscitano rabbia tanto quanto invece dovrebbero, un esempio di ciò è dato dai conflitti africani.

Nel 1990 si era in piena apartheid e i conflitti non riguardavano solo i bianchi e neri ma anche le stesse tribù africane che allora come oggi combattevano tra loro massacrandosi in modo atroce.

A quei tempi esisteva un gruppo di fotografi impegnato a documentare tali violenze che venne soprannominato Bang Bang Club e uno dei suoi appartenenti si chiamava Greg Marinovich.

La foto che valse a Greg il Pulitzer narra una storia di orrore a cui assistette presso una stazione ferroviaria.  In quell’occasione il fotografo vide un gruppo di persone di colore aggredire un uomo, ferirlo più e più volte con coltelli e lanci di pietre accusandolo di essere una spia di una tribù nemica ( senza sapere se fosse vero o meno ) e alla fine, quando il malcapitato era ancora vivo, lo cosparsero di benzina e gli diedero fuoco.

Greg scattò una lunga sequenza di foto per documentare quell’assassinio tanto barbaro quanto brutale e le mandò alle agenzie di stampa internazionali.

Come al solito in molte rifiutarono di pubblicarle a causa della durezza delle immagini e solo dopo il conferimento del premio Pulitzer si decisero a mandarle in stampa, come se il premio rappresentasse una sorta di lascia passare per gli animi sensibili, hai vinto quindi diventa arte prima ancora che fotografia.

Questo tipo di reportage non è per tutti, un fotografo ne esce distrutto nell’animo, stare dietro l’obiettivo non mette a riparo anima e coscienza e personalmente non credo che riuscirei a rimanere lucido in queste situazioni e a scattare foto.

Di sicuro il valore degli scatti è alto, foto così servono a far comprendere cosa effettivamente succede dall’altra parte del mondo visto che troppo spesso i media censurano o rendono meno forti le notizie per non ferire i sentimenti delle persone.

 

Cultura fotografica : Nick Ut, 1972

Esistono foto che vanno oltre il premio Pulitzer e divengono icone di un tempo, portatrici di un messaggio che rimarrà impresso nelle menti di chi poserà gli occhi su quello scatto.

Il fotografo di cui intendo parlare si chiama Nick Ut e come tanti nomi di fotografi probabilmente nessuno o pochi lo assoceranno ad una immagine in particolare ma alla fine, quando la vedrete, vi stupirete di non aver collegato nome e foto.

Era il 1972, anno legato alle proteste contro la guerra nel Vietnam, anno caldo dal punto di vista giornalistico e fotografico per chi cercava di raccontare quel periodo drammatico fatto di lotte intestine e guerre esterne.

Un fotografo si trovava in Vietnam già da tempo per seguire gli avvenimenti, il suo nome era Nick Ut, uno dei tanti reporter di guerra ormai avezzi a vedere di tutto o almeno così pensava ma nulla lo aveva preparato a ciò che vide e fotografò quel giorno.

Il Vietnam è legato al napalm, una delle peggiori invenzioni dell’uomo dopo la bomba atomica, una sostanza che supera i 1000 gradi di temperatura quando si infiamma, una sostanza che non solo aderisce al corpo di chi colpisce ma che, grazie all’aggiunta di fosforo, arde ancora di più quando il malcapitato cerca salvezza con l’acqua.

Nick conosceva il napalm, era di casa in Vietnam e se ne faceva largo uso per cercare di stanare i vietcong ma una cosa era vedere l’esplosione da lontano e trovare poi cadaveri di militari carbonizzati e un’altra cosa era ritrovarsi testimone di un attacco finito male che colpiva civili inermi.

Fu così che, mentre si avvicinava al villaggio di Trang Bang appena devastato dal napalm, Nick assistette a una scena che mai avrebbe scordato. Dal fumo nero iniziarono ad apparire figure umane in fuga, con brandelli di pelle che si staccavano dalla carne, con ustioni su tutto il corpo, tra grida di dolore e frastuono della guerra.

Fu un attimo, il tempo di alzare la macchina fotografica e fare click, quasi a caso immagino vista la situazione, il dramma, la tensione.

Qualche scatto ai bambini in fuga, una bimba in particolare nel gruppo era nuda, si era tolta i vestiti nel tentativo di sfuggire al napalm e urlava di dolore.

Nick la prese in braccio e la trasportò al più vicino ospedale dove restò fino a quando la portarono in sala operatoria. La bambina si chiamava Kim Phuc e ce la fece e oggi vive in Canada, ha fondato una associazione che si occupa delle vittime della guerra ed ha mantenuto stretti i rapporti con il proprio salvatore.

Probabilmente Nick Ut non si rese conto della grandiosità del suo scatto e di ciò che ne derivò, un terremoto nelle coscienze sopite dei benpensanti americani, ai tempi della pellicola ( mi sento vecchio a dirlo ) il risultato si scopriva in camera oscura, non come oggi che tutti riguardano subito gli scatti selezionando quelli venuti meglio.

La foto la conoscete di sicuro, sarebbe un’offesa alla storia se così non fosse.

Una nota a margine va spesa per dire che nella maggior parte dei casi avrete visto una immagine ritagliata con la bambina al centro, scelta editoriale del tempo fatta per dare risalto alla drammaticità della scena e per togliere il soldato sulla destra che sembrava indifferente ai bambini.

Anche la decisione di pubblicare la foto non fu semplice, era la prima volta che si pubblicava un bambino nudo e gli editori discussero parecchio ma alla fine prevalse il buon senso e l’importanza documentaristica della foto per fortuna.

Come vedete le foto venivano ritoccate anche con la pellicola, argomento questo che ha sempre creato scandalo con il digitale ma che è sempre esistito.

Cultura fotografica : Bill Beall, 1957

Voglio iniziare una nuova parte di questo mio blog in cui parlare di fotografie e cultura fotografica.
Come molti sapranno esiste un premio Pulitzer anche per le foto, immagini speciali che da sole raccontano molto e di queste foto, oltre che di altri grandi scatti e fotografi, intendo parlare.
Il primo scatto che vi propongo è di Bill Beall, un nome che a molti non dirà nulla ma che con una sua foto vinse il Pilitzer nel 1957 per la capacità di sintetizzare stati d'animo e coesistenze nell'America di quegli anni.
Il fotografo in questione lavorava per il Washington Daily News ed il 10 settembre 1957 decise di seguire una festa organizzata nella capitale americana dalla comunità cinese per l'inaugurazione di un nuovo edificio a Chinatown.
Il fotografo seguiva l'evento che si stava svolgendo in tranquillità seppur con una folla immensa, molti petardi e i tipici colori che animano le feste popolari cinesi.
Ad un tratto il fotografo ebbe l'intuito di osservare un bambino cinese molto piccolo che da solo si stava avvicinando pericolosamente alla strada affollata e nello stesso momento un poliziotto che seguiva l'avvenimento percepì un possibile problema per quello stesso bimbo.
Fu un attimo, Bill Beall ebbe la prontezza di tirare su la macchina fotografica, mettere a fuoco e congelare l'istante in cui il poliziotto si chinava per riprendere il bambino. La foto che ne scaturì fu splendida, il candore di un bambino davanti alla legge, lo sguardo severo del poliziotto e quello sorridente del bambino, due mondi tanto lontani quanto vicini nel momento del potenziale pericolo.
Lo scatto vinse numerosi concorsi oltre al Pulitzer e anche se non divenne una icona dei suoi tempi ha comunque qualcosa di magico racchiuso in se, in quel viso del bambino divertito e del tutore dell'ordine che davanti a lui si piega.

Recensione borsa fotografica Tamrac pro 13

Nella mia esperienza da fotografo ho sperimentato un pò tutti i sistemi di trasporto per l'attrezzatura, dalle borse agli zaini passando per strani ibridi che si portano sulle spalle come zaini ma che poi si fanno scivolare di lato come borse...un orrore.
Personalmente dopo svariati tentativi di farmi piacere gli zaini sono tornato alle vecchie care borse, due per la precisione, la Tamrac pro 13 e la Tamrac pro 8, la prima per le uscite pesanti, per quando fotografo una cerimonia o simili e voglio con me tutto, la seconda per le uscite leggere.
In questo post parlerò della versione più grande, la pro 13, una borsa enorme che non va presa in considerazione per le uscite normali, pesa quasi 3 chili solo lei più tutto ciò che può trasportare.
Questa borsa risulta fondamentale in caso di viaggi o per grossi lavori in cui sa che si andrà in un posto fisso e ci si vuole portare dietro di tutto.
La qualità costruttiva è elevata, tante tasche, spazio per il pc portatile da 15" e sacca anti pioggia la rendono perfetta per i lunghi spostamenti.
Io ci tengo dentro il seguente materiale:
-Olympus EM1
-Zuiko 12-40
-Zuiko 50-200swd
-Zuiko 50 f2
-Zuiko 35 macro
-Zuiko 75 1.8
-Summilux 25 1.4
-Samyang 7.5
-EC14
-FL600R
-FL36R
-6 batterie
-carica batterie
-Battery Grip

Tutte le ottiche comprensive di paraluce.

Samyang 7.5mm + Olympus EM1

Una lente che nel mio corredo era sempre mancata ma che avevo spesso desiderato sperimentare era la fish eye, occhio di pesce, un grandangolo esagerato che copre 180° di visuale dando nel contempo una tipica visione a sfera peculiare di questa classe di lenti.
Purtroppo in ambito Olympus-Panasonic i fish sono sempre costati un patrimonio se si considera la particolarità della lente ed il fatto che non la si userà spesso ma solo per foto pensate e progettate.
Per fortuna in nostro aiuto è venuta la Samyang, azienda che si è fatta conoscere per la bontà dei propri vetri e i prezzi contenuti dovuti anche al fatto che le ottiche non hanno elettronica, funzionano con le ghiere manuali e non comunicano quindi con il corpo. Nel mio caso la lente ha garanzia ufficiale FOWA, acquistata quindi da rivenditore italiano a un prezzo più che onesto, nella confezione oltre alla lente corredata di paraluce tipico dei fish circolari ci sono i tappi anteriore e posteriore e una sacca morbida di buona fattura.
La mancanza di elettronica potrebbe essere un problema in molti casi ma non con un 7.5mm, qua basta impostare la messa a fuoco su infinito, il diaframma su 4.5 e si avrà tutto a fuoco senza problemi.
La lente è molto compatta e appare addirittura piccola sul corpo della EM1 ma è molto ben costruita, struttura in metallo, ghiere precise, insomma una bella lente.
Di seguito alcune foto della lente assieme al corpo:

Ora invece due scatti per comprendere il campo inquadrato, il primo a 12mm, il secondo con il Samyang 7.5mm:

Questa non è una lente per elementi architettonici ovviamente, ameno che non si ricerchino particolari effetti perchè distorce parecchio le linee orizzontali e verticali ma per i paesaggi è una favola a patto di saperla usare, nei prossimi giorni aggiungerò qualche panorama ripreso con questo fish.

AGGIORNAMENTO CON NUOVI SCATTI: